C'est l'une des peintures les plus célèbres de Monet et de l'Impressionnisme. Peinte en 1873, conservée au musée d'Orsay à Paris, elle représente Camille, l'épouse de Monet, et leur fils Jean se promenant dans un champ en fleurs près d'Argenteuil. Voici tout ce qu'il faut savoir sur ce chef-d'œuvre printanier.
1. Un tableau typiquement impressionniste
Ce tableau a été présenté en 1874 à la première exposition impressionniste, organisée dans l'atelier du photographe Nadar à Paris. Il réunit les principales caractéristiques des œuvres de ce mouvement : un tableau peint en plein air, des teintes lumineuses, des détails esquissés et une division des touches colorées.
Le nom même d'impressionnisme vient d'une autre œuvre de Monet exposée lors de cette même exposition : Impression, soleil levant. Le critique Louis Leroy l'avait utilisé de façon moqueuse, mais le terme avait fini par s'imposer pour désigner tout ce mouvement.
Le champ représenté n'existe plus aujourd'hui, malgré des milliers de visiteurs qui se rendent chaque année sur place près d'Argenteuil pour voir l'endroit où l'artiste a peint l'une de ses œuvres les plus célèbres.
2. Un sujet de prédilection pour Monet
Monet n'a pas peint une seule version de champ de coquelicots. La campagne près d'Argenteuil était un lieu de prédilection pour Monet et de nombreux artistes de l'époque, notamment Gustave Caillebotte, Édouard Manet et Pierre-Auguste Renoir. Monet a créé une dizaine de tableaux avec des paysages intégrant les coquelicots, comme Champ d'avoine aux coquelicots ou L'été.
Cette obsession des séries est une signature de Monet : il peindra de même une trentaine de versions de la Cathédrale de Rouen, une cinquantaine de vues de la meule de foin, et bien sûr les célèbres Nymphéas dont il a produit plus de 250 versions jusqu'à sa mort en 1926. Ce qui l'intéressait n'était pas le sujet lui-même, mais la lumière — changeante, fugace, impossible à fixer.
3. Une symbolique forte
Les coquelicots ont une signification symbolique puissante dans l'art et dans l'histoire. Fleur éphémère dont les pétales tombent en quelques heures, le coquelicot est associé à la fois à la vie, à la beauté et à la fragilité.
Apès la Première Guerre mondiale, les coquelicots rouges qui avaient fleuri sur les champs de bataille des Flandres sont devenus le symbole du souvenir des soldats tombés au combat. Chaque 11 novembre, des millions de coquelicots en papier sont portés en mémoire des victimes, une tradition née au Royaume-Uni et dans les pays du Commonwealth.
Dans la peinture de Monet, les coquelicots pourraient être interprétés comme un symbole de la vie bourgeonnante, d'un moment suspendu dans la douceur d'un été français — un instant que la peinture impressionniste cherchait à capturer avant qu'il ne disparaisse.
4. Des coquelicots bons pour la santé
Les coquelicots étaient utilisés pour la médecine traditionnelle depuis des milliers d'années. En phytothérapie, les pétales séchés du coquelicot des châtelains (Papaver rhoeas) sont utilisés pour leurs propriétés légèrement calmantes et adoucissantes. Ils entrent notamment dans la composition de sirops contre la toux.
Son cousin botanique, le pavot somnifère (Papaver somniferum), est à l'origine de l'opium et de la morphine. Les deux plantes se ressemblent mais sont différentes : Monet peignait bien les coquelicots des champs, et non les pavots des jardins.
Cette dimension médicinale et symbolique de la fleur ajoute une profondeur inattendue à ce tableau qui semble à première vue simplement joyeux et lumineux.
5. Une célébrité débordante
Le Champ de coquelicots est aujourd'hui l'une des œuvres les plus représentées au monde sur des produits dérivés : cartes postales, t-shirts, tasses, puzzles, coussins, papiers peints... Si vous êtes fan du tableau, vous pouvez vraiment vous immerger dans cet univers, au risque parfois du kitsch.
Mais sa vraie célébrité vient de ce qu'il représente : un moment de bonheur simple, une promenade en famille dans la campagne française à la belle saison. Camille et le petit Jean apparaissent deux fois dans le tableau — une fois au premier plan, une fois en arrière-plan — comme si Monet avait voulu multiplier l'instant pour mieux le retenir.
Camille mourra six ans après la réalisation de ce tableau, à 32 ans, d'un cancer. Monet peindra son portrait sur son lit de mort, incapable de s'arrêter de peindre même dans la douleur. Ce tableau printanier prend une résonance différente quand on connaît cette histoire.
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